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코코

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리뷰

어떤 이야기인가

멕시코의 작은 마을, 리베라 가문에는 대대로 음악이 금지되어 있었습니다. 음악 때문에 가족을 버리고 떠난 고조할아버지의 상처가 수 세대에 걸쳐 이어졌기 때문입니다. 하지만 이 집안의 소년 미겔은 달랐습니다. 그는 숨어서 기타를 연습하고, 전설적인 가수 에르네스토 델라 크루즈를 우상으로 삼으며 음악가의 꿈을 키워나갔습니다.

일 년에 단 하루, 죽은 자들의 영혼이 이승의 가족을 찾아온다는 멕시코의 명절 ‘죽은 자의 날’. 미겔은 마을 경연 대회에 나가기 위해 델라 크루즈의 영묘에 잠입해 그의 기타에 손을 댔습니다. 그 순간, 미겔은 살아있는 사람들의 눈에는 보이지 않는 유령 같은 존재가 되어 ‘죽은 자들의 세상’으로 빨려 들어갔습니다. 그곳은 해골들이 마리골드 꽃길을 건너 축제를 즐기는, 상상 이상으로 화려하고 생명력 넘치는 공간이었습니다.

이승으로 돌아갈 방법은 단 하나, 해가 뜨기 전까지 조상의 축복을 받는 것이었습니다. 미겔은 그곳에서 돌아가신 가족들을 만나지만, 고조할머니 이멜다는 ‘다시는 음악을 하지 않겠다’는 조건을 걸고서야 축복을 내려주겠다고 했습니다. 꿈을 포기할 수 없었던 미겔은 축복을 거부하고, 자신의 진짜 고조할아버지일 것이라 믿는 에르네스토 델라 크루즈를 찾아 나섰습니다. 이 여정에서 그는 정체불명의 해골 헥토르를 만나 동행하게 되면서, 리베라 가문에 얽힌 오래된 비밀과 마주하게 됐습니다.

잘된 것

‘코코’는 픽사가 ‘가족’과 ‘기억’이라는 보편적 주제를 얼마나 깊이 있고 아름답게 다룰 수 있는지를 증명한 작품이었습니다. 멕시코의 전통 명절 ‘죽은 자의 날(Día de los Muertos)’을 단순한 배경으로 소비하지 않고, ‘누군가에게 기억되는 한 영원히 죽지 않는다’는 핵심 철학을 서사의 중심축으로 가져왔습니다. 이승의 제사상에 사진이 없으면 죽은 자들의 세상으로 건너오는 다리를 건널 수 없고, 이승에서 자신을 기억하는 마지막 사람이 사라지면 영원히 소멸한다는 설정은 ‘죽음’과 ‘잊힘’에 대한 깊은 성찰을 담아내며 묵직한 감동을 자아냈습니다.

시청각적 경험 역시 압도적이었습니다. 주황색 마리골드 꽃잎으로 만들어진 거대한 다리, 형형색색의 영혼 안내자 ‘알레브리헤’, 불빛이 도시 전체를 수놓은 죽은 자들의 세상은 그 자체로 경이로운 미장센을 보여줬습니다. 특히 음악은 이 영화의 또 다른 주인공이었습니다. 아카데미 주제가상을 받은 ‘Remember Me(기억해 줘)’는 극의 전개에 따라 흥겨운 쇼의 주제가에서 애틋한 자장가로 변주되며, 같은 멜로디가 상황과 감정에 따라 얼마나 다른 의미를 가질 수 있는지 탁월하게 보여줬습니다.

무엇보다 이야기의 감정적 짜임새가 뛰어났습니다. 초반에는 음악에 대한 열정과 가족의 반대라는 단순한 갈등 구조로 시작했지만, 이야기가 진행될수록 세대를 관통하는 오해와 상처, 그리고 그 모든 것을 뛰어넘는 사랑의 힘을 섬세하게 그려냈습니다. 모든 복선이 회수되고 진실이 밝혀지는 후반부의 감정적 폭발력은 픽사 애니메이션 중에서도 손에 꼽을 만큼 강력했으며, 관객의 눈물샘을 자극하기에 충분했습니다.

아쉬운 것

이야기의 감동적인 힘에도 불구하고, 핵심적인 반전 구조는 다소 예측 가능한 범위 안에 머물렀습니다. 선량하고 매력적으로 보였던 인물이 사실은 모든 비극의 원흉이었다는 설정은 디즈니와 픽사의 다른 작품들에서도 종종 사용되었던 익숙한 장치였습니다. 때문에 서사의 큰 흐름을 따라가다 보면 중반부 이후의 전개를 어느 정도 짐작할 수 있었고, 이 점은 스릴러적 긴장감을 다소 약화시키는 요인으로 작용했습니다.

하지만 이런 익숙한 플롯의 단점을 상쇄하고도 남는 순간들이 있었습니다. 지금 돌이켜봐도 가장 선명하게 남아 있는 것은, 마마 코코 앞에서 미겔이 떨리는 손으로 기타를 치며 ‘기억해 줘’를 부르던 장면이었습니다. 그 순간, 영화는 단순한 권선징악의 서사를 넘어, 잊혀가는 기억을 필사적으로 붙잡으려는 한 가족의 애틋한 사랑 이야기로 승화되었습니다. 이 장면 하나만으로도 ‘코코’는 그 가치를 증명했습니다.

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출연진 및 감독

출연진

• 안소니 곤잘레스 (Anthony Gonzalez) — 미겔 리베라 (음악을 향한 열정으로 가득 찬 12살 소년)
• 가엘 가르시아 베르날 (Gael García Bernal) — 헥토르 (죽은 자들의 세상에서 미겔의 여정을 돕는 유쾌하지만 비밀을 간직한 해골)
• 벤자민 브랫 (Benjamin Bratt) — 에르네스토 델라 크루즈 (미겔이 존경하는 멕시코 최고의 전설적인 가수)
• 알라나 우바치 (Alanna Ubach) — 마마 이멜다 (음악을 금지시킨 리베라 가문의 단호하고 강인한 고조할머니)
• 아나 오펠리아 머기아 (Ana Ofelia Murguía) — 마마 코코 (미겔의 증조할머니이자, 영화의 제목이 된 핵심 인물)

감독

• 리 언크리치 (Lee Unkrich) — 토이 스토리 3, 몬스터 주식회사(공동 감독) 등을 연출한 픽사의 핵심 스토리텔러. 유머와 감동을 아우르며 전 세대의 공감을 자아내는 데 탁월한 연출력을 보여줬습니다.

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이런 분께 추천

• 픽사 애니메이션이 선사하는 따뜻한 감동을 다시 한번 느끼고 싶으신 분
• ‘가족’의 의미를 되새기게 하는 영화를 찾으시는 분
• 화려한 영상미와 귀를 사로잡는 음악이 어우러진 작품을 선호하시는 분
• 눈물을 펑펑 쏟으며 마음을 정화하는 카타르시스를 경험하고 싶으신 분

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한 줄 결론

리뷰 점수 8.9 / 10 — 기억과 망각의 경계에서 피어난, 삶을 향한 가장 눈부신 찬가.

인사이드 아웃

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리뷰

어떤 이야기인가

열한 살 소녀 라일리의 머릿속에는 다섯 감정이 살고 있었습니다. 언제나 긍정적이고 활기찬 리더 ‘기쁨’, 눈물부터 짓는 ‘슬픔’, 불의를 보면 폭발하는 ‘버럭’, 매사에 비판적인 ‘까칠’, 그리고 늘 조심스러운 ‘소심’이 그 주인공들이었습니다. 이들은 감정 컨트롤 본부에서 라일리의 일상을 지휘하며, 행복한 기억들을 ‘핵심 기억’으로 만들어 그녀의 인격을 구성하는 ‘성격 섬’들을 굳건히 지켜왔습니다. 라일리의 삶은 기쁨의 주도 아래 늘 명랑하고 행복했습니다.

평화는 라일리의 가족이 미네소타를 떠나 낯선 샌프란시스코로 이사하면서 깨졌습니다. 새로운 환경에 적응하지 못하는 라일리의 마음속에서 혼란이 시작됐고, ‘슬픔’이 우연히 핵심 기억에 손을 대면서 모든 것이 꼬이기 시작했습니다. 푸른색 슬픔이 닿은 기억은 모두 슬픈 기억으로 변해버렸고, 이를 막으려던 ‘기쁨’은 ‘슬픔’과 함께 핵심 기억들을 모두 들고 본부 밖으로 튕겨 나갔습니다.

리더인 ‘기쁨’과 문제의 원인인 ‘슬픔’이 사라진 본부는 대혼란에 빠졌습니다. 남은 ‘버럭’, ‘까칠’, ‘소심’이 라일리를 통제하려 했지만, 그들의 서툰 조종은 라일리를 점점 더 삐뚤어지게 만들었습니다. 친구와 다투고, 부모님께 소리치며, 좋아하던 하키까지 그만두는 등 라일리의 세상은 급격히 무너져 내렸습니다. 한편, 본부에서 아득히 먼 장기 기억 저장소에 떨어진 ‘기쁨’과 ‘슬픔’은 라일리의 성격 섬들이 하나씩 붕괴하는 것을 보며 본부로 돌아가기 위한 필사적인 여정을 시작했습니다.

잘된 것

<인사이드 아웃>은 픽사가 왜 스토리텔링의 명가인지를 다시 한번 증명한 걸작이었습니다. ‘머릿속 감정’이라는 추상적인 개념을 구체적이고 매력적인 캐릭터와 세계관으로 시각화한 상상력은 그야말로 압도적이었습니다. 기억이 구슬 형태로 저장되고, 꿈은 영화 스튜디오에서 제작되며, 잊힌 기억들은 깊은 낭떠러지로 사라지는 설정은 관객의 무릎을 치게 만들었습니다. 이는 단순히 기발한 아이디어를 넘어, 인간의 심리적 메커니즘을 누구나 이해할 수 있는 보편적인 이야기로 풀어내는 탁월한 능력을 보여줬습니다.

무엇보다 이 영화의 가장 큰 성취는 ‘슬픔’이라는 감정에 대한 깊이 있는 재발견에 있었습니다. 영화 초반, 슬픔은 모든 것을 망치는 골칫덩어리처럼 그려졌습니다. 하지만 이야기가 진행되면서 우리는 슬픔이 좌절과 상실을 극복하고 타인과 공감하며 더 깊은 유대를 형성하는 데 반드시 필요한 감정임을 깨닫게 됐습니다. 기쁨만이 행복의 유일한 길이 아니며, 때로는 슬픔을 온전히 느끼고 표현해야만 진정한 위로와 치유가 가능하다는 메시지는 어린이 관객은 물론, 모든 감정을 억누르는 데 익숙해진 어른들의 마음까지 깊숙이 파고들었습니다.

아쉬운 것

영화의 거의 모든 요소가 훌륭했지만, 머릿속 세계의 모험이 워낙 창의적이고 역동적이었던 탓에 현실 속 라일리의 이야기가 상대적으로 단조롭게 느껴지는 순간들이 있었습니다. 감정들의 고군분투가 자아내는 스펙터클에 비해, 라일리가 겪는 현실의 갈등은 다소 평면적으로 그려져 두 세계 사이의 감정적 균형이 완벽하게 맞물렸다고 보기는 어려웠습니다. 지금 돌이켜봐도 선명하게 남아 있는 것은 라일리의 어린 시절 상상 속 친구 ‘빙봉’이 자신을 희생하며 기쁨을 위로 올려 보내는 장면이었습니다. 그의 마지막 “나 대신 라일리를 달에 데려다줘”라는 대사와 함께 솜사탕처럼 스러져가는 모습은, 성장이란 곧 소중한 무언가를 잃어버리는 과정임을 아프도록 아름답게 담아내며 깊은 여운을 남겼습니다.

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출연진 및 감독

출연진

• 에이미 포엘러 (Amy Poehler) — 기쁨 (언제나 긍정적인 에너지가 넘치는 감정들의 리더) / SNL 크루 출신의 배우이자 코미디언
• 필리스 스미스 (Phyllis Smith) — 슬픔 (만지기만 해도 모든 것을 슬프게 만드는 감정) / 미국 드라마 ‘오피스’의 필리스 밴스 역으로 유명
• 빌 헤이더 (Bill Hader) — 소심 (모든 위험을 미리 감지하고 걱정하는 감정) / SNL 크루 출신으로 ‘그것: 두 번째 이야기’ 등에서 활약
• 루이스 블랙 (Lewis Black) — 버럭 (불의를 보면 참지 못하고 불같이 화를 내는 감정) / 특유의 분노 연기로 유명한 스탠드업 코미디언
• 민디 케일링 (Mindy Kaling) — 까칠 (패션과 사회적 평판에 민감한 감정) / 드라마 ‘오피스’, ‘민디 프로젝트’의 작가 겸 배우

감독

• 피트 닥터 — 픽사의 핵심 크리에이터로, ‘몬스터 주식회사’, ‘업’, ‘소울’ 등을 연출했습니다. 독창적인 상상력을 바탕으로 삶과 감정에 대한 깊이 있는 통찰을 담아내는 데 탁월하다는 평을 받았습니다.

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이런 분께 추천

• 픽사 애니메이션 특유의 기발한 상상력과 따뜻한 감동을 좋아하시는 분
• 아이와 함께 보며 감정에 대해 깊은 대화를 나눠보고 싶은 부모님
• 복잡한 내 마음의 작동 원리를 쉽고 재미있게 들여다보고 싶으신 분
• 유쾌한 웃음과 함께 눈물을 쏙 빼놓는 감동적인 이야기를 찾으시는 분

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한 줄 결론

리뷰 점수 9.2 / 10 — 상상력의 한계를 넘어, 모든 감정의 소중함을 일깨운 픽사의 기념비적 작품.

슬램덩크 더 퍼스트

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리뷰

어떤 이야기인가

전국 제패를 꿈꾸는 북산고 농구부는 인터하이 토너먼트에서 고교 농구 최강팀으로 군림하는 산왕공고와 맞붙었습니다. 객관적인 전력, 전문가들의 예상, 심지어 관중석의 분위기까지 모든 것이 북산의 절대적인 불리를 가리키는 상황. 그러나 코트 위 다섯 명의 선수들은 각자의 이유를 품고 불가능해 보이는 도전에 몸을 던졌습니다.

<슬램덩크 더 퍼스트>는 원작 만화의 마지막이자 가장 뜨거웠던 경기, 산왕공고전을 스크린에 옮긴 작품입니다. 하지만 영화는 원작의 주인공 강백호가 아닌, 북산의 작은 포인트가드 송태섭의 시점에서 이야기를 재구성했습니다. 영화는 경기장의 뜨거운 열기와 함께 오키나와에서 보낸 송태섭의 유년 시절을 교차하며 보여줬습니다. 농구를 무척이나 잘했던 형 송준섭에 대한 동경, 갑작스러운 사고로 형을 잃은 슬픔, 그리고 형의 그림자에서 벗어나려는 소년의 아픈 성장통이 이야기의 중심축을 이뤘습니다.

송태섭은 형의 죽음 이후 남겨진 가족의 상처와 자신의 트라우마를 안고 코트에 섰습니다. 자신보다 훨씬 큰 상대 선수들을 마주하며 그는 작은 키라는 한계를 스피드와 지략으로 극복해야만 했습니다. 영화는 송태섭의 개인적인 서사를 산왕전의 결정적인 순간들과 긴밀하게 엮어냈습니다. 그의 플레이 하나하나에는 과거의 아픔을 이겨내려는 절박함이 담겨 있었고, 강백호, 서태웅, 정대만, 채치수 등 동료들의 투혼은 송태섭의 성장을 돕는 동시에 각자의 드라마를 완성해 나갔습니다.

잘된 것

가장 먼저 칭찬해야 할 것은 단연 압도적인 작화와 연출이었습니다. 3D CG를 기반으로 제작된 캐릭터들의 움직임은 2D 셀 애니메이션의 감성을 절묘하게 살리면서도, 실제 농구 선수의 움직임을 보는 듯한 역동성과 현실감을 자아냈습니다. 드리블 소리, 농구화가 코트에 마찰하는 소음, 선수들의 거친 숨소리까지, 사운드 디자인은 관객을 경기장 한가운데로 데려다 놓기에 충분했습니다. 특히 원작에서도 명장면으로 꼽히는 마지막 1분은, 대사 없이 오직 그림과 소리만으로 숨 막히는 긴장감과 폭발적인 카타르시스를 만들어냈습니다.

원작의 주인공을 과감히 비틀어 송태섭을 전면에 내세운 선택은 성공적이었습니다. 30년 가까이 사랑받은 고전의 마지막 이야기를 단순히 재현하는 데 그치지 않고, 새로운 관점과 감동을 불어넣는 영리한 각색이었습니다. 원작에서는 유쾌한 트러블메이커 정도로 그려졌던 송태섭에게 깊이 있는 서사를 부여함으로써, <슬램덩크>를 처음 접하는 관객도 쉽게 몰입할 수 있는 보편적인 성장 드라마를 구축했습니다. 원작 팬들에게는 익숙한 이야기에 새로운 감정선을 더하는 신선함을, 새로운 관객에게는 완성도 높은 스포츠 드라마로서의 감동을 안겨줬습니다.

아쉬운 것

영화의 가장 큰 장점인 송태섭 중심의 서사는 동시에 아쉬움을 낳는 지점이기도 했습니다. 그의 과거 회상이 경기의 흐름 중간중간 꽤 긴 호흡으로 삽입되면서, 산왕전 특유의 속도감과 긴박감이 종종 끊기는 느낌을 주었습니다. 원작에서 쉴 틈 없이 몰아치던 공방의 리듬을 기대했던 관객이라면 다소 늘어진다고 느낄 만한 부분이었습니다.

또한, 송태섭에게 집중된 서사 때문에 다른 네 명의 캐릭터들의 내면 묘사가 상당 부분 축소됐습니다. 강백호의 부상 투혼, 정대만의 체력적 한계 극복, 서태웅의 각성, 채치수의 주장으로서의 고뇌 등 원작에서 각자의 성장을 상징했던 중요한 순간들이 비교적 간략하게 처리되었습니다. 개인적으로 가장 아쉬웠던 지점은, 영화가 송태섭의 서사를 중심으로 판을 새로 짰음에도 클라이맥스의 카타르시스는 여전히 원작의 강백호와 서태웅에게 상당 부분 빚지고 있다는 인상을 지울 수 없었다는 점입니다. 송태섭의 개인적 성장이 경기의 마지막 승부처와 완벽하게 맞물려 폭발하는 순간은 끝내 오지 않았습니다.

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출연진 및 감독

출연진

• 엄상현 — 송태섭 (북산고의 스피드스터 포인트가드, 이번 극장판의 주인공)
• 강수진 — 강백호 (엄청난 잠재력을 지닌 농구 초보 파워 포워드)
• 신용우 — 서태웅 (과묵한 천재 스몰 포워드, 강백호의 라이벌)
• 장민혁 — 정대만 (포기를 모르는 남자, 뛰어난 3점 슈터)
• 최낙윤 — 채치수 (북산고의 주장, 전국 제패를 꿈꾸는 센터)

감독

• 이노우에 다케히코 — 만화 슬램덩크, 배가본드, 리얼의 원작자. 원작자가 직접 각본과 감독을 맡아 원작의 영혼을 지키면서도 새로운 시점의 이야기를 성공적으로 창조해냈습니다.

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이런 분께 추천

• 30년 전 <슬램덩크>의 마지막 페이지를 넘기며 아쉬워했던 분
• 실제 농구 경기를 보는 듯한 역동적인 스포츠 애니메이션을 찾는 분
• 트라우마를 극복하는 한 인간의 성장에 관한 이야기에 감동을 느끼는 분

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한 줄 결론

리뷰 점수 8.2 / 10 — 원작의 영광을 재현한 역동적인 작화와 새로운 서사, 그러나 그 무게에 가려진 다른 별들의 빛.

베어

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리뷰

어떤 이야기인가

뉴욕의 미쉐린 스타 레스토랑에서 명성을 떨치던 천재 셰프 카르멘 “카미” 베르자토(제레미 앨런 화이트)는 충격적인 소식을 듣고 고향 시카고로 돌아왔습니다. 형 마이클이 스스로 목숨을 끊고, 그가 운영하던 낡은 이탈리안 샌드위치 가게 ‘더 오리지널 비프 오브 시카고랜드’를 유산으로 남긴 것입니다. 가게는 형의 흔적으로 가득했지만, 동시에 막대한 빚과 비위생적인 주방, 구시대적 시스템이라는 절망적인 현실도 함께였습니다.

카미는 형의 가게를 살리기로 결심했습니다. 그는 세계 최고 수준의 주방에서 익힌 ‘브리가드’ 시스템을 도입해 가게를 혁신하려 했습니다. 하지만 그의 시도는 시작부터 거센 저항에 부딪혔습니다. 죽은 형의 절친이자 가게의 실질적인 매니저였던 리치(에본 모스-바크라크)는 카미의 모든 변화에 사사건건 반발했고, 오랫동안 주방을 지켜온 고참 직원들 역시 새로운 리더를 불신했습니다.

이 혼돈의 주방에 재능 있는 젊은 수셰프 시드니(아요 에데비리)가 합류하면서 변화의 바람이 불기 시작했습니다. 시드니는 카미의 비전을 이해하는 유일한 인물이었지만, 그의 불안정한 내면과 기존 직원들의 텃세 사이에서 아슬아슬한 줄타기를 해야 했습니다. 카미는 주방을 통제하고 메뉴를 개발하는 동시에, 형의 죽음이 남긴 트라우마와 가족의 묵은 상처를 마주해야만 했습니다.

드라마는 단순히 망해가는 식당을 살리는 이야기에 그치지 않았습니다. 끊임없이 울리는 주문 벨, 터져 나오는 욕설, 날카로운 칼과 뜨거운 기름이 오가는 주방이라는 전쟁터 속에서, 상처 입은 인물들이 서로를 이해하고 연대하며 새로운 ‘가족’으로 거듭나는 과정을 날것 그대로 담아냈습니다.

잘된 것

이 작품의 가장 큰 성취는 단연코 주방이라는 공간을 스크린에 완벽하게 재현해낸 극사실적인 연출이었습니다. 쉴 새 없이 흔들리는 핸드헬드 카메라와 빠른 호흡의 편집, 여러 인물의 대사가 한꺼번에 겹쳐 들리는 음향 설계는 시청자를 혼돈의 주방 한복판으로 밀어 넣었습니다. “Yes, Chef!”를 외치는 고함과 재료를 다듬는 소리, 조리 기구의 소음이 뒤섞인 공간의 압박감은 화면 너머까지 생생하게 전달됐습니다.

배우들의 연기는 그야말로 폭발적이었습니다. 제레미 앨런 화이트는 세계 최고 수준의 재능 이면에 깊은 불안과 슬픔을 간직한 ‘카미’를 완벽하게 체화했습니다. 그의 떨리는 손과 공허한 눈빛은 대사 없이도 캐릭터의 고통을 고스란히 보여줬습니다. 에본 모스-바크라크가 연기한 ‘리치’와 아요 에데비리의 ‘시드니’를 비롯한 모든 조연 배우들은 각자의 서사를 가진 입체적인 인물을 구축하며 환상적인 앙상블을 만들어냈습니다.

무엇보다 <베어>는 요리 드라마의 외피를 쓴 깊이 있는 성장 드라마였습니다. 음식은 인물들의 상처를 치유하고 관계를 회복하는 매개체로 기능했습니다. 트라우마, 애도, 직업적 소명, 그리고 불완전한 인간들의 연대라는 보편적인 주제를 주방이라는 치열한 공간을 통해 풀어낸 방식은 탁월했습니다. 각 인물이 자신의 한계를 극복하고 한 단계 나아가는 순간들은 강렬한 카타르시스와 묵직한 감동을 안겨줬습니다.

아쉬운 것

보고 나서 며칠이 지나도 떠오른 건 시즌 1의 7화, 20분 가까이 이어지는 원테이크 장면에서 폭발 직전까지 치닫는 주방의 혼돈이었습니다. 이 장면은 기술적으로는 경이로웠지만, 동시에 시청자를 소진시키는 극도의 스트레스를 동반했습니다. <베어>의 가장 큰 장점인 현장감과 긴박감은 때로 시청자에게 상당한 감정적 에너지를 요구했습니다. 인물들이 겪는 불안과 압박이 여과 없이 전달되기에, 편안한 마음으로 즐기기에는 다소 버거운 작품이었습니다. 숨 돌릴 틈 없이 몰아치는 전개 속에서 잠시 멈춰 서는 순간들이 조금 더 있었다면, 인물들의 감정선을 따라가는 여정이 한결 수월했을 것이라는 아쉬움이 남았습니다.

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출연진 및 감독

출연진

• 제레미 앨런 화이트 (Jeremy Allen White) — 카르멘 “카미” 베르자토 (뉴욕 파인 다이닝 레스토랑 출신의 천재 셰프) / 드라마 쉐임리스(Shameless)의 ‘립 갤러거’ 역으로 얼굴을 알렸습니다.
• 에본 모스-바크라크 (Ebon Moss-Bachrach) — 리처드 “리치” 제리모비치 (가게의 실질적 매니저이자 죽은 형의 절친)
• 아요 에데비리 (Ayo Edebiri) — 시드니 아다무 (재능과 열정을 가지고 ‘더 비프’에 합류한 젊은 수셰프)
• 라이오넬 보이스 (Lionel Boyce) — 마커스 브룩스 (제빵에 대한 열정으로 제과 셰프로 성장하는 인물)
• 라이자 콜론-자야스 (Liza Colón-Zayas) — 티나 (카미의 개혁에 반발하지만 점차 마음을 여는 주방의 터줏대감)

감독

• 크리스토퍼 스토러 (Christopher Storer) — 실제 주방을 방불케 하는 현장감 넘치는 연출과 인물 간의 미묘한 감정선을 포착하는 데 탁월한 능력을 보여줬습니다.

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이런 분께 추천

• 실제 주방을 엿보는 듯한 극사실주의 드라마를 즐기시는 분
• 불완전한 인물들이 서로 부딪히며 성장하는 이야기에 감동받는 분
• 높은 긴장감과 빠른 호흡의 연출을 선호하시는 분

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한 줄 결론

리뷰 점수 8.8 / 10 — 지옥 같은 주방에서 건져 올린, 날것 그대로의 성장과 위로.

무빙

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리뷰

어떤 이야기인가

비밀을 간직한 아이들이 있었다. 하늘을 나는 능력을 가졌지만 늘 모래주머니를 차고 다니는 김봉석(이정하), 어떤 상처도 금세 회복하는 재생 능력을 가졌지만 그 때문에 늘 상처를 달고 사는 장희수(고윤정), 그리고 엄청난 속도와 힘을 지녔지만 늘 감정을 억누르는 이강훈(김도훈). 이들은 각자의 부모로부터 능력을 절대로 드러내지 말라는 말을 귀에 못이 박이도록 들으며 평범한 고등학생으로 살아갔다.

평화롭던 이들의 일상에 균열이 생긴 것은 의문의 암살자 ‘프랭크'(류승범)가 등장하면서부터였다. 그는 미국 CIA의 지령을 받고, 과거 국가를 위해 일했던 은퇴한 초능력자들을 찾아내 하나씩 제거하기 시작했다. 프랭크의 무자비한 살행이 계속되면서, 아이들의 부모 세대가 과거 안기부의 비밀 요원으로 활동하며 비극적인 운명에 얽혔던 사실이 서서히 드러났다.

위협이 점차 아이들에게까지 향하자, 돈가스 가게 사장, 치킨집 사장 등 평범한 소시민으로 위장해 살아가던 부모들은 더 이상 숨어있을 수만은 없었다. 장주원(류승룡), 이미현(한효주), 김두식(조인성), 이재만(김성균) 등 과거의 ‘괴물’들은 녹슨 능력을 다시 꺼내 들어 자식들을 지키기 위한 마지막 싸움을 준비했다. 드라마는 현재 아이들이 마주한 위협과, 과거 부모 세대가 겪어야 했던 사랑과 배신, 그리고 희생의 서사를 교차하며 거대한 이야기의 퍼즐을 맞춰나갔다.

잘된 것

‘무빙’은 한국형 히어로물이 무엇인지에 대한 가장 성공적인 답변 중 하나를 제시했습니다. 이 작품의 가장 큰 성취는 초능력이라는 비현실적 소재를 지극히 한국적인 ‘가족’과 ‘정’의 서사로 녹여냈다는 점에 있었습니다. 작품을 관통하는 가장 강렬한 인상은 단연 ‘가족애’였습니다. 특히 이미현(한효주)이 아들 봉석의 능력을 숨기기 위해 일부러 살을 찌우려 끊임없이 음식을 먹이던 장면은, 초능력이라는 비현실적 설정 위에 가장 현실적이고 절절한 모성애를 쌓아 올린, 이 드라마의 정체성을 보여주는 명장면이었습니다. 이는 단순한 볼거리를 넘어 시청자의 마음을 움직이는 감정적 동력을 만들어냈습니다.

액션과 시각효과의 완성도 역시 훌륭했습니다. 김두식의 비행 장면은 자유로움과 애틋함을 동시에 담아냈고, 장주원의 재생 능력을 활용한 처절한 액션은 할리우드 히어로물과는 다른 질감의 쾌감을 선사했습니다. 특히 후반부 학교에서 벌어지는 대규모 액션 시퀀스는 각기 다른 능력을 지닌 인물들이 유기적으로 협력하는 모습을 박진감 넘치게 연출하여 장르적 재미를 극대화했습니다. 20부작이라는 긴 호흡 동안에도 시각적 완성도는 꾸준히 유지되었고, 이는 디즈니플러스의 대규모 투자가 헛되지 않았음을 증명했습니다.

류승룡, 한효주, 조인성 등 베테랑 배우들의 깊이 있는 연기는 물론, 이정하, 고윤정 등 신예 배우들의 신선한 에너지가 조화롭게 어우러진 점도 빼놓을 수 없는 장점이었습니다. 각 배우는 자신에게 주어진 서사를 완벽히 소화하며 캐릭터에 생명력을 불어넣었고, 이들의 앙상블은 자칫 흩어질 수 있는 방대한 이야기를 하나로 묶는 강력한 구심점 역할을 했습니다.

아쉬운 것

다만 20부작이라는 분량은 양날의 검으로 작용했습니다. 초반부 아이들의 서사와 프랭크의 등장이 만들어낸 팽팽한 긴장감은, 중반부 부모 세대의 과거 서사가 길게 이어지면서 다소 늘어지는 감이 있었습니다. 물론 각 인물의 감정선을 쌓아 올리는 데 반드시 필요한 과정이었지만, 현재 시점의 이야기가 거의 멈춘 채 몇 주에 걸쳐 과거 회상에만 집중한 탓에 일부 시청자에게는 피로감을 안겨주었습니다. 서사의 밀도를 높이기 위해 조금 더 압축적인 전개가 필요했다는 아쉬움이 남았습니다.

또한, 초반부 미스터리한 위협으로 강렬한 인상을 남겼던 암살자 ‘프랭크’가 퇴장한 이후, 후반부를 책임진 북한 초능력자들의 존재감은 상대적으로 약하게 느껴졌습니다. 이들의 등장은 서사를 남과 북의 대결이라는 익숙한 구도로 회귀시켰고, 그 과정에서 초반부가 쌓아 올렸던 인물 개개인의 절박함과 애틋함이 다소 희석된 인상을 주었습니다. 조금 더 입체적이고 강력한 후반부 빌런이 있었다면, 작품의 완성도는 한 단계 더 높아졌을 것입니다.

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출연진 및 감독

출연진

• 류승룡 (Ryu Seung-ryong) — 장주원 (어떤 상처도 빠르게 회복하는 재생 능력을 가진 전직 안기부 요원. ‘괴물’이라 불렸던 과거를 숨기고 치킨집을 운영하며 딸 희수를 지키려 한다) / 대표작: 극한직업, 킹덤
• 한효주 (Han Hyo-joo) — 이미현 (초인적인 오감을 지닌 전직 안기부 엘리트 요원. 남편 김두식을 잃고 아들 봉석을 지키기 위해 돈가스 가게를 운영한다) / 대표작: 뷰티 인사이드, 감시자들
• 조인성 (Zo In-sung) — 김두식 (자유롭게 하늘을 나는 비행 능력을 가진 최정예 블랙 요원. 임무 중 만난 미현과 사랑에 빠지지만 비극적 사건에 휘말린다) / 대표작: 비열한 거리, 안시성
• 이정하 (Lee Jung-ha) — 김봉석 (아버지의 비행 능력과 어머니의 초인적 오감을 물려받았지만, 능력을 숨기며 살아가는 순수한 고등학생)
• 고윤정 (Go Youn-jung) — 장희수 (아버지의 재생 능력을 물려받은 체대 입시생. 불의를 참지 못하는 정의로운 성격의 소유자)

감독

• 박인제 — 킹덤 시즌 2, 특별시민 등을 연출한 감독. 장르물의 긴장감과 인물의 감정선을 조화롭게 연출하는 데 강점을 보였다.

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이런 분께 추천

• 화려한 액션보다 인물들의 감정선과 서사를 중시하는 분
• 강풀 작가의 원작 웹툰을 감명 깊게 읽으신 분
• 블록버스터급 스케일과 탄탄한 연기 앙상블을 즐기고 싶은 분
• 다소 긴 호흡의 시리즈를 차분히 따라갈 자신이 있는 분

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한 줄 결론

리뷰 점수 8.2 / 10 — 한국형 히어로 서사의 성공적인 이정표, 다만 긴 호흡을 견뎌야 그 진가를 맛볼 수 있다.

더 페이버릿

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리뷰

어떤 이야기인가

때는 18세기 초, 영국은 프랑스와 지리한 전쟁을 이어가고 있었다. 왕좌에는 변덕스럽고 병약한 앤 여왕(올리비아 콜맨)이 앉아 있었지만, 나라의 실권은 그녀의 오랜 친구이자 비밀스러운 연인인 사라 처칠(레이첼 와이즈)이 쥐고 있었다. 사라는 여왕의 히스테리와 건강 문제를 돌보는 동시에, 남편인 말버러 공작을 전장에 보내고 의회를 주무르며 막강한 권력을 휘둘렀다. 여왕은 사라에게 전적으로 의지했고, 그들의 관계는 단순한 우정을 넘어선 것이었다.

평온하던 권력 구도에 균열을 일으킨 것은 사라의 먼 친척인 애비게일 힐(엠마 스톤)의 등장이었다. 가문이 몰락해 하녀로 궁에 들어온 애비게일은 순진한 얼굴 뒤에 날카로운 생존 본능과 야망을 감추고 있었다. 그녀는 통풍으로 고통받는 여왕에게 남몰래 약초를 구해다 주며 환심을 샀고, 이를 계기로 여왕의 시중을 드는 자리에 오르며 빠르게 신임을 얻었다.

자신의 자리가 위협받고 있음을 직감한 사라는 애비게일을 노골적으로 경계하기 시작했다. 이로써 여왕의 총애, 즉 ‘가장 총애하는 사람(The Favourite)’의 자리를 차지하기 위한 두 여성의 치열하고도 교활한 암투가 막을 올렸다. 영화는 애비게일과 사라가 여왕의 사랑과 권력을 얻기 위해 벌이는 아첨, 계략, 배신, 그리고 때로는 육체적 유혹까지 동원하는 과정을 지독하게 파고들었다. 세 여성의 관계는 사랑과 우정, 욕망과 질투 사이를 위태롭게 오가며 예측할 수 없는 방향으로 흘러갔다.

잘된 것

가장 먼저 언급해야 할 것은 단연 세 주연 배우의 압도적인 연기력이었습니다. 올리비아 콜맨은 유약함, 히스테리, 외로움, 그리고 절대 권력자의 광기를 오가는 앤 여왕을 신들린 듯 연기하며 아카데미 여우주연상을 거머쥐었습니다. 그녀의 연기는 앤 여왕을 단순한 변덕쟁이가 아닌, 깊은 상실감과 고통에 시달리는 입체적인 인간으로 그려냈습니다. 레이첼 와이즈는 냉철한 카리스마와 연인을 향한 소유욕을 동시에 보여주는 사라 처칠을, 엠마 스톤은 순수함에서 악랄함으로 변모해가는 애비게일의 다층적인 얼굴을 완벽하게 소화했습니다. 세 배우가 만들어낸 연기의 트라이앵글은 스크린을 장악하는 힘 그 자체였습니다.

요르고스 란티모스 감독 특유의 기이하고 독창적인 연출 역시 이 영화를 특별하게 만들었습니다. 광각 렌즈와 어안 렌즈를 적극적으로 활용한 촬영은 화려한 왕궁을 뒤틀리고 폐쇄적인 공간으로 보이게 했고, 인물들의 심리적 압박감과 고립감을 시각적으로 탁월하게 표현했습니다. 자연광을 활용한 조명과 정교하게 계산된 미장센은 18세기 영국의 시대상을 재현하면서도, 그 안에 도사린 인간의 비이성적이고 동물적인 욕망을 날카롭게 대비시켰습니다.

이 영화는 고상한 시대극의 외피를 쓰고 가장 저속하고 원초적인 권력 투쟁을 까발렸습니다. 다 보고 나서 가장 인상 깊었던 장면은 단연 엔딩이었습니다. 여왕이 애비게일의 머리를 무심하게 누르며 다리를 주무르게 하는 그 순간, 승자와 패자가 불분명해진 권력의 공허함이 스크린을 가득 채웠습니다. 우아한 드레스와 가발 아래에서 펼쳐지는 독설과 암투는 통렬한 블랙 코미디의 쾌감을 선사했고, 동시에 권력이란 얼마나 허무하고 파괴적인 것인지를 냉소적으로 보여줬습니다.

아쉬운 것

요르고스 란티모스 감독의 스타일은 이 영화의 가장 큰 장점이자 동시에 진입 장벽이었습니다. 의도적으로 감정 이입을 차단하는 냉소적인 톤과 인공적인 대사 톤, 기괴하게 느껴질 수 있는 촬영 기법은 일부 관객에게는 불편함이나 이질감으로 다가왔을 수 있습니다. 인물들의 감정을 따라가기보다는 한 걸음 떨어져 그들의 어리석은 암투를 관조하게 만드는 연출 방식은, 깊은 감정적 몰입을 기대한 관객에게는 다소 차갑게 느껴졌을 것입니다.

또한, 중반부에서 반복되는 사라와 애비게일의 계략 싸움은 다소 단조롭게 느껴지는 구간이 있었습니다. 두 인물이 엎치락뒤치락하는 과정이 영화의 핵심이긴 하지만, 비슷한 패턴의 갈등이 이어지면서 극의 긴장감이 잠시 느슨해지는 인상을 주었습니다. 이는 영화 전체의 밀도를 약간 떨어뜨리는 요인으로 작용했습니다.

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출연진 및 감독

출연진

• 올리비아 콜맨 (Olivia Colman) — 앤 여왕 (변덕스럽고 병약하지만 절대 권력을 지닌 영국의 군주. 이 역할로 아카데미 여우주연상을 수상했습니다.)
• 엠마 스톤 (Emma Stone) — 애비게일 힐 (몰락한 귀족 가문의 하녀로, 신분 상승을 위해 여왕의 총애를 얻으려는 야심가.)
• 레이첼 와이즈 (Rachel Weisz) — 사라 처칠 (여왕의 오랜 친구이자 막후 실세로, 국정을 좌지우지하는 카리스마 넘치는 인물.)
• 니콜라스 홀트 (Nicholas Hoult) — 로버트 할리 (사라와 대립하는 야당의 지도자.)
• 조 앨윈 (Joe Alwyn) — 새뮤얼 매섬 (애비게일과 얽히게 되는 젊은 귀족.)

감독

• 요르고스 란티모스 — 더 랍스터, 킬링 디어, 가여운 것들 등을 만든 감독. 인간 사회의 부조리를 독창적인 미장센과 블랙 코미디로 풀어내는 데 독보적인 연출가입니다.

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이런 분께 추천

• 배우들의 신들린 연기 대결을 보고 싶으신 분
• 기존의 고루한 시대극에 질리신 분
• 날카로운 풍자와 냉소로 가득한 블랙 코미디를 즐기시는 분
• 요르고스 란티모스 감독의 독창적인 영화 세계를 경험하고 싶으신 분

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한 줄 결론

리뷰 점수 8.7 / 10 — 권력의 정점에서 펼쳐지는 가장 추악하고 우아한 생존 투쟁.

디스 이즈 어스

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리뷰

어떤 이야기인가

드라마는 36번째 생일을 맞은 세 남매, 케빈(저스틴 하틀리), 케이트(크리시 메츠), 랜들(스털링 K. 브라운)의 현재에서 시작했습니다. 인기 시트콤 배우지만 공허함에 시달리는 케빈, 평생을 체중 문제와 싸워온 케이트, 그리고 완벽한 가정을 꾸렸지만 어린 시절 자신을 버린 생부를 찾아 나선 랜들. 이들은 각자의 삶의 무게를 짊어진 채 위태로운 하루를 보냈습니다.

이야기의 진짜 힘은 이들의 현재와 부모인 잭(마일로 벤티밀리아)과 레베카(맨디 무어)의 과거를 교차하며 드러났습니다. 1980년, 세 쌍둥이를 출산하던 잭과 레베카 부부는 안타깝게도 한 아이를 잃었습니다. 같은 날, 소방서 앞에 버려진 흑인 아기를 발견한 잭은 운명처럼 그 아이를 입양하기로 결심했고, 그렇게 피어슨 가족의 ‘빅 쓰리(The Big Three)’가 탄생했습니다.

드라마는 과거의 작은 선택, 우연한 사건, 부모의 사랑과 실수가 현재의 자녀들에게 어떤 나비효과를 일으켰는지를 집요하게 파고들었습니다. 과거의 장면들은 현재 인물들이 겪는 갈등과 고뇌의 뿌리를 설명하는 열쇠가 되었고, 현재의 이야기는 과거의 미스터리를 풀어가는 단서가 됐습니다. 인종, 입양, 비만, 중독, 트라우마, 죽음 등 결코 가볍지 않은 주제들을 피하지 않고 끌어안으며, 피어슨 가족은 울고 웃고 싸우고 화해하며 서사를 쌓아갔습니다.

여섯 시즌에 걸쳐 펼쳐진 이들의 삶은 단지 한 가족의 연대기를 넘어섰습니다. 그것은 사랑과 상실, 용서와 성장에 관한 보편적인 이야기였고, 우리 모두가 겪었거나 겪게 될 인생의 축소판과도 같았습니다.

잘된 것

<디스 이즈 어스>의 가장 큰 성취는 단연 독창적인 서사 구조였습니다. 과거와 현재를 넘나드는 플롯은 단순한 회상 장치를 넘어, 그 자체로 거대한 퍼즐 조각이었습니다. 과거의 한 장면이 현재 인물의 행동에 대한 완벽한 개연성을 부여했고, 현재의 대사 한마디가 과거의 미스터리를 푸는 결정적 힌트가 되기도 했습니다. 이 정교한 직조 방식은 매 에피소드마다 감정적 깊이와 지적인 재미를 동시에 안겨줬습니다.

모든 배우가 제 역할을 훌륭히 해냈지만, 특히 아버지 잭 피어슨을 연기한 마일로 벤티밀리아와 입양된 아들 랜들을 연기한 스털링 K. 브라운의 연기는 압도적이었습니다. 잭은 결코 완벽하지 않았지만 언제나 가족을 위해 최선을 다했던 이상적인 아버지의 모습을 보여주며 시청자들의 마음을 울렸고, 스털링 K. 브라운은 자신의 정체성을 탐구하는 복잡한 내면을 섬세하게 그려내며 에미상과 골든글로브를 석권했습니다. 이들의 연기는 드라마의 감정선을 단단히 지탱하는 기둥이었습니다.

다 보고 나서 가장 먼저 떠오른 장면은 어린 랜들이 백인들만 가득한 동네 수영장에서 겉돌자, 아버지 잭이 랜들을 등에 업고 다른 아버지들에게 “이 아이는 내 아들입니다”라고 당당히 보여주던 순간이었습니다. 이 작품의 힘은 거창한 사건이 아닌, 이처럼 사소하지만 진심이 담긴 순간들을 포착해 삶의 보편적인 진실을 길어 올리는 데서 나왔습니다. 각본은 평범한 일상 속에 숨겨진 위대함을 발견하는 데 탁월한 재능을 보여줬습니다.

아쉬운 것

이야기가 길어지면서 피할 수 없었던 단점도 존재했습니다. 특히 후반 시즌으로 갈수록 감정을 극대화하기 위한 장치들이 다소 반복적으로 사용된다는 인상을 줬습니다. 인물들은 끊임없이 눈물을 흘리고, 결정적인 순간에는 어김없이 감성적인 배경 음악이 흘러나왔습니다. 초반 시즌의 신선했던 감동이 후반부에는 예측 가능한 ‘눈물 공식’처럼 느껴지기도 했습니다.

또한, 여섯 시즌이라는 긴 호흡 동안 일부 캐릭터의 서사가 다소 정체되거나 주변부로 밀려나는 아쉬움도 있었습니다. 모든 인물에게 공평한 비중과 깊이를 부여하려는 노력은 가상했으나, 때로는 특정 인물의 이야기가 전체적인 흐름을 늦추는 요인으로 작용하기도 했습니다. 조금 더 과감한 취사선택이 있었다면 서사의 밀도가 더 높아졌을 것이라는 생각이 들었습니다.

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출연진 및 감독

출연진

• 마일로 벤티밀리아 (Milo Ventimiglia) — 잭 피어슨 (피어슨 가족의 아버지. 헌신적이고 따뜻한 가장의 표본을 보여주며 전 세계 시청자들의 ‘인생 아빠’로 등극했습니다)
• 맨디 무어 (Mandy Moore) — 레베카 피어슨 (피어슨 가족의 어머니. 젊은 시절부터 노년까지 한 여성의 인생을 폭넓은 스펙트럼으로 소화해냈습니다)
• 스털링 K. 브라운 (Sterling K. Brown) — 랜들 피어슨 (입양된 아들. 자신의 뿌리를 찾고 가족 안에서 정체성을 고민하는 과정을 섬세하게 연기해 수많은 상을 받았습니다)
• 크리시 메츠 (Chrissy Metz) — 케이트 피어슨 (딸. 체중 문제와 과거의 트라우마를 극복하며 성장하는 여정을 진솔하게 그려냈습니다)
• 저스틴 하틀리 (Justin Hartley) — 케빈 피어슨 (아들. 화려한 스타의 삶 이면에 숨겨진 내면의 공허함과 가족에 대한 애정을 입체적으로 표현했습니다)

감독

• 댄 포겔맨 (Dan Fogelman) — 영화 크레이지, 스투피드, 러브, 라푼젤 등의 각본가로 잘 알려진 인물입니다. 평범한 사람들의 관계와 감정을 따뜻하고 섬세하게 엮어내 깊은 공감과 감동을 자아내는 데 탁월한 스토리텔러라는 평가를 받았습니다.

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이런 분께 추천

• 사람 냄새나는 따뜻한 가족 드라마를 찾으시는 분
• 탄탄한 각본과 배우들의 명연기가 어우러진 작품을 선호하시는 분
• 한 번 시작하면 끝까지 정주행할 인생 드라마를 만나고 싶으신 분

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한 줄 결론

리뷰 점수 8.7 / 10 — 눈물샘을 자극하지만, 그 끝에 남는 것은 따뜻한 위로와 가족의 의미.

1987

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리뷰

어떤 이야기인가

1987년 1월, 남영동 대공분실에서 조사를 받던 스물두 살의 서울대생 박종철이 사망했습니다. 영화는 이 충격적인 사건에서 시작합니다. 대공수사처의 박처장(김윤석)은 “책상을 ‘탁’ 치니 ‘억’ 하고 죽었다”는 황당한 발표로 사건을 덮으려 하고, 증거 인멸을 위해 시신 화장을 지시했습니다. 하지만 그의 계획은 시작부터 삐걱거렸습니다. 당일 당직이었던 서울지검 최검사(하정우)가 경찰의 섣부른 화장 동의 요청을 거부하고, 법과 원칙에 따라 부검을 밀어붙였기 때문입니다.

최검사의 소신 있는 결정으로 확보된 시신에서는 명백한 물고문과 폭행의 흔적이 발견되었습니다. 이 사실은 용기 있는 기자들의 손을 거쳐 세상에 알려졌고, 정권은 거센 비판에 직면했습니다. 위기에 몰린 박처장은 조반장(박희순) 등 부하 형사 두 명에게 모든 책임을 떠넘기며 사건을 축소하려 했습니다. 그러나 진실을 향한 움직임은 여기서 멈추지 않았습니다. 억울하게 수감된 조반장의 가족을 돕던 교도관 한병용(유해진)이 수감된 동료를 통해 사건의 진실이 담긴 편지를 외부로 전달하는 위험한 임무를 수행했습니다.

영화는 박종철의 죽음에서 시작된 진실 규명의 과정이 어떻게 6월 민주항쟁이라는 거대한 역사의 물결로 이어지는지를 촘촘하게 따라갔습니다. 검사, 기자, 의사, 교도관, 그리고 평범한 대학생에 이르기까지, 각자의 자리에서 양심의 목소리를 낸 수많은 사람들의 선택이 어떻게 연쇄적으로 작용하며 단단했던 독재의 벽에 균열을 만들어냈는지를 보여줬습니다. 특히 시위와는 거리를 두려 했던 평범한 대학 신입생 연희(김태리)가 시대의 아픔을 직면하고 광장으로 나아가기까지의 과정은, 그 시대를 살았던 보통 사람들의 내면을 대변하며 깊은 공감을 자아냈습니다.

잘된 것

<1987>의 가장 큰 미덕은 특정 영웅 서사를 따르지 않았다는 점입니다. 영화는 한 명의 위대한 인물이 아닌, 각자의 위치에서 용기를 낸 평범한 사람들의 선택이 모여 역사를 바꾼다는 사실을 릴레이 경주처럼 보여줬습니다. 최검사가 지킨 부검 영장은 기자에게, 기자의 보도는 교도관에게, 교도관의 용기는 재야인사에게, 그리고 그 모든 진실의 조각들은 광장의 시민들에게로 이어졌습니다. 이처럼 유기적으로 연결된 인물들의 연쇄적인 활약은, 민주주의가 몇몇 영웅의 희생이 아닌 수많은 보통 사람들의 양심과 연대로 이뤄진다는 묵직한 메시지를 효과적으로 전달했습니다.

솔직히 예상하지 못했던 것은 이 영화가 보여주는 용기의 다채로운 모습이었습니다. 특히 부검의가 수많은 외압 속에서도 ‘목을 누르니 억 하고 죽었다’는 경찰의 발표를 정면으로 반박하며 물고문의 흔적을 소신 있게 밝히는 장면은, 총칼이 아닌 자신의 직업적 양심으로 맞서는 저항이 얼마나 큰 파급력을 갖는지 보여주는 대목이었습니다. 배우들의 연기는 그야말로 압권이었습니다. 사건을 은폐하려는 박처원 역의 김윤석이 보여준 서늘한 카리스마, 원칙을 고수하는 최검사 역 하정우의 능청스러움과 단단함, 그리고 인간적인 고뇌를 보여준 유해진의 연기는 극의 중심을 굳건히 잡았습니다. 여기에 강동원, 여진구, 설경구 등 짧은 등장만으로도 강렬한 인상을 남긴 특별출연진의 호연은 영화의 진정성을 한층 더 끌어올렸습니다.

아쉬운 것

영화의 구조적 장점은 때로 단점이 되기도 했습니다. 수많은 인물이 각자의 역할을 수행하고 다음 주자에게 바통을 넘기는 릴레이 형식은 이야기의 속도감을 높였지만, 개별 캐릭터의 서사를 깊이 있게 파고들 시간은 부족했습니다. 특히 87학번 신입생 ‘연희’의 역할은 아쉬움이 남았습니다. 그는 시대를 외면하던 평범한 개인이 각성하는 과정을 보여주는 중요한 인물이었지만, 다른 실존 인물 기반의 캐릭터들과 비교했을 때 다소 기능적으로 활용된다는 인상을 지우기 어려웠습니다. 그의 갑작스러운 심경 변화는 감정적으로는 이해되지만, 그 과정이 충분히 설득력 있게 그려지기보다는 역사의 흐름에 휩쓸리는 듯한 느낌을 주어 다소 평면적으로 느껴졌습니다.

출연진 및 감독

출연진

• 김윤석 (Kim Yoon-seok) — 박처원 처장 (남영동 대공수사처를 이끌며 박종철 고문치사사건의 은폐를 지시하는 냉혈한 인물)
• 하정우 (Ha Jung-woo) — 최환 검사 (경찰의 화장 요청을 거부하고 부검을 밀어붙여 사건의 진실을 파헤칠 첫 단추를 끼우는 원칙주의자)
• 유해진 (Yoo Hae-jin) — 한병용 교도관 (사건의 진실을 담은 옥중서신을 외부로 전달하는 위험한 임무를 수행하는 내부 조력자)
• 김태리 (Kim Tae-ri) — 연희 (시위와 거리를 두려 했지만, 시대의 비극을 목격하며 변화를 겪게 되는 87학번 대학 신입생)
• 박희순 (Park Hee-soon) — 조한경 반장 (박처장의 지시로 사건 축소에 동원되지만 내적 갈등을 겪는 대공형사)

감독

• 장준환 — 독창적인 장르 영화 지구를 지켜라!, 화이: 괴물을 삼킨 아이 등을 통해 자신만의 스타일을 구축한 감독. 1987을 통해 사회적 메시지를 묵직하게 전달하는 연출력을 증명했습니다.

이런 분께 추천

• 실화 바탕의 묵직한 역사 드라마를 선호하시는 분
• 김윤석, 하정우 등 대한민국 대표 배우들의 앙상블 연기를 보고 싶으신 분
• 한 사람의 영웅이 아닌, 평범한 사람들의 용기가 세상을 어떻게 바꾸는지 목격하고 싶으신 분

한 줄 결론

리뷰 점수 8.7 / 10 — 한 시대의 비극과 저항을 뜨겁게 담아낸, 배우들의 얼굴이 곧 역사인 영화.

업

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리뷰

어떤 이야기인가

평생 모험을 동경해 온 칼 프레드릭슨은 아내 엘리와 함께 언젠가 남아메리카의 ‘파라다이스 폭포’에 가겠다는 꿈을 간직하며 살아왔다. 하지만 시간은 덧없이 흘렀고, 아내 엘리는 끝내 꿈을 이루지 못한 채 세상을 떠났다. 홀로 남은 78세의 칼은 아내와의 추억이 깃든 작은 집에서 조용히 살아가지만, 주변은 온통 재개발 공사 현장으로 변해버렸다. 결국 집이 철거될 위기에 처하자, 그는 누구도 상상하지 못했던 마지막 모험을 결심했다.

그것은 바로 수천 개의 풍선을 집에 매달아 집을 통째로 띄워 파라다이스 폭포로 날아가는 것이었다. 풍선 판매원이었던 그의 경력을 살린 기상천외한 계획은 성공했고, 집은 육중한 무게를 이기고 하늘로 솟아올랐다. 성공의 기쁨도 잠시, 현관문을 두드리는 소리에 나가보니 ‘야생 탐사대원’의 마지막 배지를 얻기 위해 노인을 돕겠다며 찾아왔던 8살 소년 러셀이 베란다에 아슬아슬하게 매달려 있었다. 이렇게 까칠한 할아버지와 해맑은 소년의 원치 않는 동행이 시작됐다.

우여곡절 끝에 남아메리카의 외딴 고원에 불시착한 두 사람은 그곳에서 말을 하는 특수 목걸이를 한 개 ‘더그’와 전설 속의 희귀 새 ‘케빈’을 만나 친구가 된다. 하지만 평화로운 시간은 길지 않았다. 칼의 어린 시절 영웅이었던 전설적인 탐험가 찰스 먼츠가 케빈을 잡기 위해 수십 년째 그곳에 머물고 있었고, 그는 자신의 목표를 위해서라면 어떤 위협도 서슴지 않는 위험한 인물이었다. 칼과 러셀의 모험은 이제 케빈을 먼츠로부터 지켜내야 하는 긴박한 추격전으로 변모했다.

잘된 것

이 작품의 가장 큰 성취는 단연 오프닝 시퀀스에 있었습니다. 대사 한마디 없이 오직 음악과 이미지의 흐름만으로 칼과 엘리의 만남부터 사랑, 꿈, 좌절, 그리고 사별에 이르는 수십 년의 세월을 4분 남짓한 시간에 압축적으로 보여준 이 장면은, 애니메이션을 넘어 영화사 전체에서도 손꼽힐 만한 명장면으로 남았습니다. 관객은 이 짧은 시간 안에 칼이라는 인물의 모든 것을 이해하고 그의 여정에 깊이 몰입하게 됐습니다. 이는 작품 전체를 관통하는 정서적 기반을 단단하게 구축하는 탁월한 선택이었습니다.

픽사의 상상력은 ‘풍선에 매달려 날아가는 집’이라는 동화 같은 설정을 눈부신 시각적 스펙터클로 구현해냈습니다. 수천 개 풍선의 다채로운 색감과 하늘을 유영하는 집의 이미지는 그 자체로 경이로움을 자아냈습니다. 여기에 까칠하지만 속정 깊은 칼, 긍정 에너지 넘치는 러셀, 순수한 강아지 더그 등 생동감 넘치는 캐릭터들의 조합은 세대와 종을 뛰어넘는 우정이라는 보편적인 주제를 유쾌하고 따뜻하게 풀어냈습니다.

아쉬운 것

작품의 전반부가 한 인간의 삶과 사랑, 상실을 깊이 있게 조명하며 묵직한 감동을 줬다면, 후반부는 다소 전형적인 모험 활극의 공식을 따라갔다는 점이 아쉬움으로 남았습니다. 특히 악당 찰스 먼츠의 캐릭터는 광기에 사로잡힌 평면적인 인물로 그려져, 초반부의 섬세한 감정선과 비교했을 때 깊이가 부족하게 느껴졌습니다. 그의 등장은 이야기를 장르적으로 확장시켰지만, 동시에 작품이 품고 있던 삶에 대한 성찰을 희석시키는 결과를 낳았습니다.

이 작품에서 유독 잊히지 않는 것은, 케빈을 구하기 위해 칼이 엘리와의 추억이 담긴 가구를 집 밖으로 내던지는 장면이었습니다. 그것은 단순히 집의 무게를 줄이는 행위를 넘어, 과거의 슬픔에 얽매이지 않고 현재의 관계를 선택하는 그의 뼈아픈 결단을 상징적으로 보여줬습니다. 이처럼 빛나는 순간들이 있었음에도, 클라이맥스에서 펼쳐지는 비행선 위에서의 결투나 말하는 개들의 공중전은 초반의 감동에 비해 다소 만화적인 과장으로 느껴져 전체적인 톤의 균형을 흔들었습니다.

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출연진 및 감독

출연진

• 에드워드 애스너 (Edward Asner) — 칼 프레드릭슨 (아내와 사별 후, 추억이 깃든 집을 지키려는 완고한 할아버지)
• 조던 나가이 (Jordan Nagai) — 러셀 (야생 탐사대원 배지를 받기 위해 칼의 모험에 우연히 동참하게 되는 긍정적인 소년)
• 크리스토퍼 플러머 (Christopher Plummer) — 찰스 먼츠 (칼의 어린 시절 우상이자, 목표를 위해 수단을 가리지 않는 탐험가)
• 밥 피터슨 (Bob Peterson) — 더그 (특수 목걸이로 말을 할 수 있는 순수한 골든 리트리버)
• 밥 피터슨 (Bob Peterson) — 알파 (찰스 먼츠의 충직한 부하이자 도베르만 무리의 리더)

감독

• 피트 닥터 (Pete Docter) — 몬스터 주식회사, 인사이드 아웃, 소울 등을 연출하며 인간의 보편적인 감정과 삶의 깊이 있는 주제를 기발한 상상력으로 풀어내 전 세대의 공감을 얻는 픽사의 핵심 감독.

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이런 분께 추천

• 인생의 의미를 되새기는 감동적인 이야기를 찾으시는 분
• 대사 없이도 마음을 울리는 픽사 특유의 연출을 좋아하시는 분
• 아이와 어른이 함께 볼 수 있는 명작 애니메이션을 찾으시는 분

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한 줄 결론

리뷰 점수 8.7 / 10 — 인생의 가장 위대한 모험은 때로 가장 마지막에 시작된다는 뭉클한 증명.